Yoshinori Kanada

El genio de Yoshinori Kanada consistió en haber sido el primer hombre en darse cuenta que la animación es un seguido de dibujos. Como ha ocurrido con tantas otras cosas obvias en la ciencia y en la vida, hasta que cierto individuo no lo (re)descubre, el resto no se percata de ello. Kanada desbloqueó el potencial secreto de la animación, y gracias a ello el anime es tal como lo conocemos.

Yoshinori Kanada (1952-2009) nació en la prefectura de Nara y creció durante el boom del anime gracias a Astroboy (1963), encontrando así su vocación. Pese a haber abandonado el instituto estuvo a punto de graduarse en la escuela privada de diseño de Tokio, pero un mes antes de obtener el diploma decidió abandonar también susodicha escuela. Finalmente entraría a trabajar en el estudio Toei, lugar de trabajo de su ídolo, Keiichiro Kimura. Su primer encargo fue en 1970 como intercalador del anime Maho no Mako-chan, y desde ahí todo es subida en su larga carrera como animador.

Yoshinori_KanadaKanada llegó a Toei en el momento justo, Mazinger Z destapó el boom del género mecha en 1971, y Kanada se encontró justo en medio del ojo del huracán. Aún así, abandonaría el estudio antes de haber cumplido allí los dos años, y entró en el estudio independiente Studio Z, donde seguiría su aprendizaje por poco tiempo, ya que el estudió se disolvía a finales de 1973. Rápidamente entraría en otro estudio, Studio nº1 (1974) y trabajaría en series como Getter Robot. Después de un tiempo trabajando como agente libre (finales de los setenta), vuelve a entrar al Studio Z, que se había vuelto a fundar.

Cuando en 1974 empezó como animador en el anime Getter Robot bajo la dirección de Takuo Noda, encontró su catalizador para mejorar. Kanada, como he comentado anteriormente, fue el primero en darse cuenta que la animación era una composición de dibujos. Este era un nuevo punto de vista; anteriormente la gente consideraba el arte de la animación un simple medio que ligaba la historia con el guión. Con él se entendió que el propósito de los animadores era expresar movimiento, y una vez quitada la venda de los ojos, el resto es historia.

Kanada tiene un estilo único que creó toda una escuela estética, sus dibujos son fácilmente reconocibles gracias a sus perspectivas trabajadas y exageradas, dinamismo, un tempo particular e irregular y la tendencia a que sus personajes posen con posturas imposibles para la cámara. En la jerga de los fans, sus perspectivas se conocen como Kanada Pers. Los anime anteriores usaban muy pocas perspectivas, se limitaban a dar un plano general y cuatro ángulos básicos, mientras que él decidió usar ángulos muy abiertos y objetivos con ojos de pez, dando nuevas y desconocidas sensaciones de profundidad. Dio la casualidad que sus nuevos métodos eran ideales para el género mecha, ya que este enfoque ayudaba a destacar y enfatizar el poder de tamaños gigantes de acero.

Además de sus nuevos ángulos, Kanada también experimentó mucho con los efectos especiales. Le gustaban los destellos de luz (Kanada light flares), las explosiones, las sombras y los rayos, dándoles nueva vida y revolucionando el género. Estas nuevas técnicas que desarrolló fueron la respuesta a las limitaciones de los tiempos de producción de la época –recordemos que sin apoyo digital, todo tenía que ser pintado a mano-, él tenía la habilidad de lograr infundir mucho movimiento con un número reducido de dibujos y siempre intentaba ser lo más explosivo y vistoso posible. Se dice que su estilo de dibujo era un reflejo de su personalidad, y más de un director de animación se amargó con su tendencia natural a saltarse los modelos clásicos establecidos y a distorsionar todas las perspectivas que venían impuestas en el story-board.

Durante esos años trabajando en estudios independientes empezó el idilio entre Space Battleship Yamato y Kanada. Al abandonar Toei podía trabajar en proyectos muy distintos y más de sus preferencias. Aunque algunos pensaban que su independización había sido algo prematura, Kanada demostró que con unos mejores tiempos de producción y más presupuesto, podía hacer maravillas. En sus inicios se centraría en animar openings, y año a año iría mejorando. De esta época de finales de los setenta son los OP de Gaiking, Voltes V, Zanbot 3, Daitarn 3 y Cyborg 009, ganando así ya mucha fama entre los fans de la animación.

Como he comentado, ahora Kanada, gracias a ser un agente libre, podría escoger sus proyectos, y así pudo trabajar otra vez en SB Yamato. Animó en Farewell to Yamato, Yamato 2, The New Voyage y Blue Noah. Aunque su eclosión como súper-estrella llegó en 1979 con su irrupción en las películas animadas.

Cierta escena final llena de explosiones de la película Galaxy Express 999 recibió una oleada de críticas positivas tremenda, llegando algunos fans a comentar que se habían olvidado que lo que estaban viendo eran dibujos animados. En los 80, gracias ya su condición de súper-animador, volvería a entrar en el Studio nº1.

El siguiente año vendría Be Forever Yamato, una película cuya ambición era subir un par de marchas todos los aspectos técnicos posibles, explorando nuevos estilos. La película lo logró llevar a cabo, pero otra vez el artífice principal fue Kanada, suya es la escena del ataque a la base de suministros de Dark Nebula.
Estas películas subieron el listón para la serie que vendría después, Yamato III, donde todas las batallas espaciales tuvieron que ser mejoradas, algunas de ellas animadas también por Yoshinori.
Aunque puntualmente aún trabajaba en televisión, Kanada definitivamente se había labrado un sitio en las películas animadas, llegando a director de animación en Final Yamato. Kanada era ya tan famoso que usaban una foto suya en las carátulas de los discos de las BSO para vender más.

Además de estar vinculado en otros trabajos de la franquicia Yamato, Kanada empezaría a firmar otros proyectos. En 1983 animaría Genma Taisen (Armagedón). Lo único que destaco de esa película es la escena final, donde Kanda dibujó lo que con los años sería uno de sus movimientos estrella, es el nacimiento del dragón de Kanada–del que hablaré con detalle más adelante-.

En 1984 trabajaría en una de las primeras OVAs (original video animation) de la historia, Birth o conocido aquí como El mundo del talismán, una adaptación de un manga suyo. Esta ova reclutó posiblemente la mayoría de los mejores de la época, teniendo una animación estelar en muchos momentos. La crítica no terminó de aceptar demasiado la obra, debido a su final ligeramente abstracto, pero gran parte de la película es una larga persecución continua que sirve como excusa para dibujar grandes escenas.

Gracias a toda la fama que ya había amasado, Hayao Miyazaki lo reclutó para Nausicaä, y destacó en los combates aéreos. Kanada era fan de Miyazaki desde que este último empezara a trabajar en Toei allá en los sesenta, y comentó alguna vez que estaba muy honrado por haber sido llamado a filas.

Pero la admiración no era unilateral, Miyazaki respetaba mucho su talento, y le fue llamando para varias de sus películas; concretamente El castillo en el cielo, Mi vecino Totoro, Kiki la aprendiz de bruja, Porco Rosso y La Princesa Mononoke.

Entre película y película del estudio Ghibli, Kanada se mantenía ocupado. De sus trabajos de finales de siglo encontramos Akira, Final Fantasy y Blue Submarine nº6 entre otros. Gracias a Akira, Kanada se interesaría por la animación hecha con ordenador, y en 1998 entraría a Square Enix. Yoshinori se mudaría a Hawái un par de años y empezaría a trabajar para su primera y única co-producción internacional, Final Fantasy: The spirits within. Los siguientes años los pasaría en SE trabajando para varios videojuegos, siendo su último trabajo el story-board de FF IV (Nintendo DS).

Kanada moriría el 21 de julio de 2009 debido a problemas cardíacos. Tenía 57 años. Su legado sería recordado el 30 de agosto de ese mismo año en una congregación de más de 300 fans y 800 profesionales del sector, teniendo como ponientes personalidades como Hideaki Anno (con 24 años trabajó en Birth) o Rintaro.

Intentar evaluar el impacto que tuvo Kanada en el anime es una ardua tarea. Kanada nunca llegó a dirigir ninguna obra, se centró en ser animador y con ello revolucionó el sector, siendo una fuente de inspiración esencial para muchos de los animadores que empezaron en los 80. La escuela de estilo Kanada ha sido y es una corriente importante entre los animadores y directores actuales, entre los cuales encontramos Imaishi (se ha mencionado muchas veces que Gurren Lagann es un apasionado homenaje a su maestro) o Arasan. Está en los genes de todos. Sin ir más lejos, Ohira durante sus inicios fue seguidor de su estilo antes de empezar de inventar el suyo propio.

Es difícil pensar que habrá otra persona que puede llegar a igualar el impacto dejado por Kanada. L’enfant terrible del anime fue un trabajador constante, siempre evolucionando y superándose, mejorando el medio paso a paso. Su trabajo derrumbó muros y destruyó estigmas, demostrando que los animadores pueden expresar su propio estilo aunque estén trabajando en una obra coral.

Ejemplo de ello es su carismático dragón, cuyo origen se remonta a Genma Taisen. Producto icónico de su carrera, este dragón sería resucitado varias veces en obras posteriores, sin ir más lejos en una película de Ghibli, El castillo en el cielo.

El dragón en su momento fue una nueva forma de expresar los efectos en animación, demostrando estilo e infundiendo vida y movimiento a una sustancia inorgánica. La clave de su dibujo es usar pocos colores y evitar los sombreados, dando simplicidad a la imagen.

Es una superposición de figuras geométricas y líneas ondulantes y espirales que dan vida a un cuerpo de fuego y desprenden un magnetismo irresistible. Este dragón ha sido imitado varias veces por varios animadores a posteriori, pero pocos han logrado darle la misma majestuosidad.

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